10 berühmte Pop-Art-Gemälde der modernen Kunst
Viele von uns assoziieren den Pop-Art-Stil nicht zufällig mit Kinematografie. Im Folgenden stellen wir Ihnen 10 berühmte Pop-Art-Gemälde der modernen Kunst vor, um Sie von ihrer Schönheit und Einzigartigkeit zu überzeugen. Im 20. Jahrhundert gab es eine populäre künstlerische Bewegung namens „Pop Art“. Diese Bewegung wird oft mit Konsumismus, Massenmedien und Populärkultur in Verbindung gebracht. Der Schwerpunkt der Pop-Art liegt auf der Verwendung leuchtender Farben, klarer Linien und einem ikonischen Objekt als Hauptthema. Künstler verwenden gerne leuchtende Farben, weil sie ihre Bilder spannender machen. Nun, Pop Art ist eine Kunstform, die in den 1950er und 1960er Jahren entstand. Diese zeitgenössische „coole“ Atmosphäre trug dazu bei, die Aspekte der aktuellen Gesellschaft hervorzuheben und kommerzielle und künstlerische Kunst zu verbinden. Verschiedene Quellen inspirierten Pop-Ikonen, darunter Werbung, Produktverpackungen, Popstars, Filmstars und Comics. Helle Farben werden bewusst eingesetzt, um Aufmerksamkeit zu erregen, was eine clevere Strategie ist. Daher ist es komplizierter als es scheint. Deshalb besprechen wir, was Pop-Art ist, wie sie entstanden ist, wer die bedeutenden Figuren sind und was die komplizierte Seite der lebendigen Farben ist.
1. Campbell's Soup Cans von Andy Warhol (1962)
Sicherlich fragen Sie sich, warum manche Gläser als Kunstobjekt dienen. Möglicherweise ist der erste Eindruck, wenn man dieses Kunstwerk sieht, sehr zweideutig. Nun, die Antwort auf diese Frage könnte Sie überraschen. Als Warhol gefragt wurde, warum er Campbells Suppendosen bemalt habe, antwortete er, dass er sie bemalt habe, weil er zwanzig Jahre lang jeden Tag das gleiche Mittagessen zu sich genommen habe. Kritiker untergraben die Idee der Illustration als Medium des Einfallsreichtums und der Originalität, da dieses Stück eine Kombination verschiedener Techniken verwendet, um zweiunddreißig Leinwände zu schaffen, eines für jede damals verfügbare Sorte Campbell's Suppe.
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2. Drowning Girl von Roy Lichtenstein (1963)
Die verwendeten Farben und die Nachahmung der Figur in diesem Kunstwerk suggerieren eine Botschaft der Hoffnungslosigkeit und Traurigkeit. Auch auf diese Weise gelingt es ihm, ein großes Publikum zu verführen. Das als „Melodramameisterwerk“ bezeichnete Bild ist eine der frühesten Darstellungen der Künstlerin von Frauen in unglücklichen Situationen. Die Geschichte betont das exzessive Melodram, und Lichtensteins Idee eines künstlerischen Schaffens, das mechanische Replikation imitiert, wird durch die visuellen Elemente veranschaulicht, zu denen auch Ben-Day-Punkte gehören, die den Druckprozess darstellen. Es zeigt eine Frau auf stürmischer See mit Tränen in den Augen. Sie scheint wegen einer Beziehung unter psychischen Problemen zu leiden. Dieses Thema tauchte für den Künstler ab Mitte der 1960er Jahre häufig auf.
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3. Oh, Jeff ... ich liebe dich auch ... aber ... (1964)
Das folgende Kunstwerk hat eine enorme Fähigkeit, Neugier zu wecken. Schon beim Betrachten tauchen aufgrund des verwendeten Stils, des vergrößerten Gesichts und der Mimik viele Fragen auf. In dieser Arbeit telefonieren ein heranwachsendes Mädchen und ihr Freund Jeff, doch ihre Beziehung ist durch eine unbekannte äußere Kraft in Gefahr. Lichtenstein schuf das Thema dieses Gemäldes und vieler seiner anderen Werke durch die Vervielfältigung und Veränderung einzelner Comic-Seiten. Dieses Szenario stammt aus der Serie Girls' Romances und Hidden Hearts von DC Comics. Der Künstler hat mehrere Bestandteile des Gemäldes verändert, um seine Ästhetik zu verbessern. Sie haben im kommerziellen Druck lebendige Farben, starke Konturen und „Biegepunkte“ verwendet. Dadurch ähnelt das Gemälde eher einem Cartoon als einem realistischen Bild. Jede Linie im Kunstwerk ist diagonal, was ihm das Gefühl von Bewegung und Richtung verleiht. Es wird angedeutet, dass eine Linie von den Augen der Frau bis zur unteren linken Ecke verläuft. Da die Buchstaben der Textblase ebenfalls aus diagonalen Linien bestehen, haben sie eine andere Persönlichkeit. Die traurigen Geschichten seiner Motive machen seine Gemälde in Kunst und Museen sehr beliebt.
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4. Andy Warhol – Marilyn Monroe, 1962
Wenn Sie an den Pop-Art-Stil denken, fällt Ihnen als Erstes Marilyn Monroe ein, die Protagonistin zahlreicher berühmter Porträts. Andy Warhol schuf 1962 eine Reihe von Gemälden von Marilyn Monroe unter Verwendung eines Standbilds aus ihrem Film Niagara aus dem Jahr 1953. Seine Gemälde hatten eine bedeutende Wirkung, weil sie die Themen Ruhm und Sterblichkeit verbanden. Wir werden jedoch über sein Gemälde Shot Marilyn aus dem Jahr 1964 sprechen, auf dem Marilyn in verschiedenen Farben und Schattierungen an einer Wand gestapelt zu sehen ist. Zu dieser Zeit kam eine Freundin einer Warhol-Fotografin, Dorothy Podber, auf ihn zu und bat ihn, das Kunstwerk zu „fotografieren“. Warhol stimmte zu und dachte, sie mache einen Scherz, aber sie holte eine Waffe heraus, schoss auf alle vier Gemälde und verwandelte sie in die erschossenen Marilyns. Warhol glaubte, sie bezog sich auf das Fotografieren der Menschen, als sie „schießen“ sagte, und er stimmte zu. Aber Podber zog eine Waffe aus ihrer Tasche und feuerte auf die Bilder. Alle vier Gemälde, bekannt als „The Shot Marilyns“, wurden damals von der Kugel getroffen.
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5. Roy Lichtenstein – M-Maybe (A Girl's Picture), 1965
Ein solches Gemälde wird jeden Raum großartig schmücken. Sein raffiniertes und charismatisches Erscheinungsbild kann ein glänzender und faszinierender dekorativer Akzent sein. Roy Lichtenstein nutzte häufig Action- und Teenie-Comics als Grundlage für seine Schriften. Auf einem Gemälde, M-Maybe, freut sich eine schöne blonde Frau sehnsüchtig darauf, einen Mann zu sehen, der für sie am wichtigsten ist. Sie sagt: „Vielleicht wurde er krank und konnte das Studio nicht verlassen“, aber es ist klar, dass er nicht krank war und sie bereits vergessen hatte. Dieses Gemälde entstand 1965, im selben Jahr wurde es verkauft. Die Kosten für Lichtensteins Kunstwerke stiegen und beliefen sich auf mehrere tausend Dollar. Und dieser Aspekt kann durch ihr mechanisches und steifes Erscheinungsbild gerechtfertigt werden, was schwierig zu erreichen ist.
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6. Jasper Johns, Three Flags (1958), Öl auf Leinwand. Whitney Museum für amerikanische Kunst
Wenn man sich dieses Kunstwerk anschaut, kommt einem als erstes die Frage in den Sinn, warum der Künstler drei Flaggen gezeichnet hat und welche Rolle er dabei spielt. Aber hier kann die Antwort Sie überraschen, nämlich durch die Tatsache, dass Johns die Grenze zwischen Abstraktion und Repräsentation ausloten wollte und er sagte, dass er damit über die Bedeutung der Flaggen selbst hinausgehen könne. Im Jahr 1954 schuf Jasper Johns ein Gemälde mit drei amerikanischen Flaggen. Der Autor verwendet eine Kombination von Farben, die in warmem Wachs schweben, das sich mit jedem Strich verfestigt und die Aufmerksamkeit auf den Entstehungsprozess des Gemäldes lenkt, wodurch durch die Anhäufung deutlicher Markierungen eine sinnliche, fast skulpturale Oberfläche entsteht. Die Flaggen sind so angeordnet, dass sie kleiner wirken, als sie sind, und Johns lässt die Flaggen aussehen, als würden sie im Weltraum schweben. Es klingt bizarr, ist aber eine neue Perspektive auf die Realität in der Kunst.
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7. Roy Lichtenstein, „Fuß und Hand“ (1964)
In der Kunst, wie im Leben, entwickelt sich alles; Es ändert. Dieser künstlerische Trend erfreut sich im kreativen Bereich immer größerer Beliebtheit, um bestimmte Aspekte des Lebens zu parodieren und nicht zuletzt die Stimmung des Tages einzufangen. Ein weiterer berühmter amerikanischer Pop-Künstler ist Roy Lichtenstein. Comic-Bücher waren seine wichtigste Inspirationsquelle für seine frühen Arbeiten. Comics haben einen wesentlichen Einfluss auf seinen unverwechselbaren Stil, der sich durch kräftige Kanten und leuchtende Farben auszeichnet. Ben-Day-Punkte sind ein wiederkehrendes Motiv in Lichtensteins Gemälden und Skulpturen, und er bezog sich auch in den folgenden Serien weiterhin auf diese Comic-Ästhetik.
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8. Evelyne Axell, „La directrice aux Fruits“, 1972
Wie Sie sehen, kann Pop Art aufgrund der verwendeten Schatten und Akzente einen anderen Reiz haben, der viel romantischer, ruhiger und ausdrucksvoller ist. Obwohl viele Pop-Künstlerinnen im Laufe ihrer Karriere einflussreich waren, werden sie in der historischen Erzählung der Bewegung häufig außen vor gelassen. Rosalyn Drexler, Dramatikerin und Avantgarde-Künstlerin; Marisol, eine Konzept- und Pop-Künstlerin; und Evelyne Axell, eine belgische Malerin, trug wesentlich zur Entwicklung der Pop-Bewegung bei. Diese Vorreiterinnen ebneten den Weg dafür, dass heute mehr weibliche Pop-Künstlerinnen in Museumsausstellungen und Auktionen auftreten.
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9. Schau Mickey (Roy Lichtenstein) (1961)
Diese Illustration führt uns zu unseren Lieblingszeichentrickfilmen aus der Kindheit, die die kolossale Fähigkeit haben, uns selbst an einem regnerischen Tag ein Lächeln auf die Lippen zu zaubern und unsere Stimmung zu heben. Roy Lichtenstein ließ sich für sein Öl-auf-Leinwand-Gemälde Look Mickey aus dem Jahr 1961 von einer Seite des Walt-Disney-Bilderbuchs „Donald Duck: Lost and Found“ inspirieren. Donald freut sich, auf dem Gemälde einen riesigen Fisch gefangen zu haben, und Mickey kichert heimlich. Nur der obere Teil des Gewandes der Ente konnte seinen Schwanz fassen. Es veranschaulicht Lichtensteins Aneignung seiner Pop-Art auf der Grundlage der aktuellen Populärkultur.
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10. Strahlendes Baby (1990) Keith Haring
Ein weiteres Beispiel für diesen Stiltrend ist das berühmte Kunstwerk „Radiant Baby“, das 1990 von Keith Haring geschaffen wurde und ein krabbelndes Baby zeigt. Wie Sie sehen können, ist das Neugeborene von Licht umgeben, wie die schwarzen Strahlen zeigen, die sich nach außen erstrecken. Die leuchtenden Farben und einfachen Umrisse erleichtern das Verständnis. Das neugeborene Baby gilt als die unschuldigste und positivste Erfahrung der menschlichen Existenz; Der Autor verwendet dieses Symbol häufig in seinen Werken.
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Pop-Art-Cartoon
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