10 peintures pop art célèbres de l’art moderne
Beaucoup d’entre nous associent le style Pop Art à la cinématographie plutôt que par hasard. Ci-dessous, nous présenterons 10 peintures pop art célèbres de l'art moderne pour vous convaincre de leur beauté et de leur caractère unique. Au XXe siècle, il existait un mouvement artistique populaire appelé « pop art ». Ce mouvement est souvent associé au consumérisme, aux médias de masse et à la culture populaire. Le pop art se concentre sur l’utilisation de couleurs vives, de lignes épurées et d’un objet emblématique comme sujet principal. Les artistes aiment utiliser des couleurs vives car elles contribuent à rendre leurs images plus excitantes. Eh bien, le Pop Art est un type d’art créé dans les années 1950 et 1960. Cette ambiance « cool » contemporaine a permis de mettre en valeur les aspects de la société actuelle et de relier l'art commercial et artistique. Diverses sources ont inspiré les icônes pop, notamment les publicités, les emballages de produits, les pop stars, les stars de cinéma et les bandes dessinées. Les couleurs vives sont intentionnellement utilisées pour attirer, ce qui est une stratégie intelligente. C’est donc plus compliqué qu’il n’y paraît. Ainsi, nous discuterons de ce qu'est le pop art, comment il est né, qui en sont les personnages significatifs et le côté compliqué des couleurs vives.
1. Les boîtes de soupe Campbell's d'Andy Warhol (1962)
Vous vous demandez sûrement pourquoi certains pots serviraient de sujet artistique. Il est possible que la première impression lorsque vous voyez cette œuvre d’art soit très ambiguë. Eh bien, la réponse à cette question pourrait vous surprendre. Lorsqu'on a demandé à Warhol pourquoi il peignait les boîtes de soupe Campbell's, la réponse a été qu'il les avait peintes parce qu'il avait mangé le même déjeuner tous les jours pendant vingt ans. Les critiques subvertissent l'idée de l'illustration en tant que moyen d'ingéniosité et d'originalité, car cette pièce utilise une combinaison de différentes techniques pour créer trente-deux toiles, une pour chaque variété de soupe Campbell's alors disponible.
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2. La fille qui se noie de Roy Lichtenstein (1963)
Les couleurs utilisées et le mimétisme du personnage dans cette œuvre d'art suggèrent un message de désespoir et de tristesse. Même ainsi, il parvient à séduire un large public. Le tableau, qualifié de « chef-d’œuvre du mélodrame », est l’une des premières représentations de l’artiste représentant des femmes dans des situations malheureuses. L'histoire met l'accent sur le mélodrame excessif, et l'idée de Lichtenstein d'une création artistique imitant la réplication mécanique est illustrée à travers les visuels, qui incluent des points Ben-Day qui représentent le processus d'impression. Il représente une femme sur une mer agitée, les larmes aux yeux. Elle semble éprouver une détresse mentale à propos d'une relation. Ce thème revient fréquemment chez l’artiste à partir du milieu des années 1960.
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3. Oh, Jeff... Je t'aime aussi... Mais... (1964)
L’œuvre d’art suivante a une énorme capacité à éveiller la curiosité. Dès que vous le regardez, de nombreuses questions vous viennent à l’esprit, grâce au style utilisé, au visage agrandi et aux expressions faciales. Dans cette œuvre, une adolescente et son petit ami, Jeff, parlent au téléphone, mais leur relation est menacée par une force extérieure inconnue. Lichtenstein a créé le sujet de ce tableau et de plusieurs de ses autres œuvres en dupliquant et en modifiant des pages individuelles de bandes dessinées. Ce scénario est issu des séries Girls' Romances et Hidden Hearts de DC Comics. L'artiste a modifié plusieurs éléments du tableau pour améliorer son attrait esthétique. Ils ont utilisé des couleurs vives, des contours forts et des « points de pliage » dans l'impression commerciale. En conséquence, la peinture ressemble plus à un dessin animé qu’à une image réaliste. Chaque ligne de l’œuvre est diagonale, ce qui lui donne une impression de mouvement et de direction. On laisse entendre qu'une ligne s'étend des yeux de la femme jusqu'au coin inférieur gauche. Étant donné que les lettres de la bulle de texte sont également constituées de lignes diagonales, elles ont une personnalité différente. Les histoires tristes de ses sujets rendent ses peintures très populaires dans les arts et les musées.
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4. Andy Warhol - Marilyn Monroe, 1962
Quand on pense au style pop Art, la première chose qui vient à l’esprit est Marilyn Monroe, protagoniste de nombreux portraits célèbres. Andy Warhol a créé une série de peintures de Marilyn Monroe en 1962 en utilisant une image tirée de son film de 1953, Niagara. Ses peintures ont eu un impact significatif car elles combinaient les thèmes de la renommée et de la mortalité. Cependant, nous parlerons de son tableau de 1964, Shot Marilyn, qui représente Marilyn empilée contre un mur avec différentes couleurs et nuances. Une amie de l'un des photographes de Warhol, Dorothy Podber, l'a approché à ce moment-là et lui a demandé de « photographier » l'œuvre d'art. Warhol a accepté et a pensé qu'elle plaisantait, mais elle a sorti un pistolet et a filmé les quatre tableaux, les transformant en Shot Marilyns. Warhol pensait qu'elle faisait référence à la prise de photos des gens lorsqu'elle disait « tirer », et il a accepté. Mais Podber a sorti un pistolet de son sac et a tiré sur les tableaux. Les quatre tableaux, connus sous le nom de The Shot Marilyns, ont été touchés par la balle à ce moment-là.
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5. Roy Lichtenstein - M-Peut-être (Photo d'une fille), 1965
Une telle peinture décorera grandement n’importe quel espace. Son apparence sophistiquée et charismatique peut constituer un accent décoratif brillant et captivant. Roy Lichtenstein a souvent utilisé des bandes dessinées d'action et pour adolescents comme base de ses écrits. Dans un tableau, M-Peut-être, une belle femme blonde attend avec impatience de voir un homme qui lui tient à cœur. Elle dit : "Peut-être qu'il est tombé malade et n'a pas pu quitter le studio", mais il est clair qu'il n'était pas malade et qu'il l'avait déjà oubliée. Ce tableau a été réalisé en 1965, l’année même de sa vente. Le coût des œuvres de Lichtenstein augmentait, atteignant plusieurs milliers de dollars. Et cet aspect peut se justifier par leur aspect mécanique et rigide, ce qui est difficile à réaliser.
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6. Jasper Johns, Three Flags (1958), huile sur toile. Musée d'art américain Whitney
Lorsque l’on regarde cette œuvre d’art, la première question qui nous vient à l’esprit est de savoir pourquoi l’artiste a dessiné trois drapeaux et quel est son rôle. Mais ici, la réponse peut surprendre, notamment par le fait que Johns a voulu explorer la frontière entre abstraction et représentation, et ce faisant, il a dit qu'il pouvait aller au-delà de la signification des drapeaux eux-mêmes. En 1954, Jasper Johns a créé une peinture représentant trois drapeaux américains. L'auteur utilise une combinaison de couleurs en suspension dans de la cire chaude qui se solidifie à chaque trait et attire l'attention sur le processus de création de la peinture, résultant en une surface sensuelle, presque sculpturale, résultant de l'accumulation de marques distinctes. Les drapeaux sont disposés de manière à les rendre plus petits qu'ils ne le sont, et Johns donne l'impression que les drapeaux flottent dans l'espace. Cela semble bizarre, mais c’est une nouvelle perspective sur la réalité artistique.
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7. Roy Lichtenstein, « Pied et main » (1964)
Dans l’art comme dans la vie, tout évolue ; ça change. Cette tendance artistique est devenue de plus en plus populaire dans le domaine de la créativité pour parodier certains aspects de la vie et, surtout, pour capturer l'ambiance du jour. Roy Lichtenstein est un autre artiste pop américain de renommée. Les bandes dessinées ont été sa principale source d'inspiration pour ses premiers travaux. Les bandes dessinées ont une influence significative sur son style distinctif, qui se distingue par des bords audacieux et des couleurs vives. Les points Ben-Day sont un motif récurrent dans les peintures et sculptures de Lichtenstein, et il a continué à faire référence à cette esthétique de bande dessinée dans les séries suivantes.
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8. Evelyne Axell, « La directrice aux fruits », 1972
Comme vous pouvez le constater, le Pop Art peut avoir un autre attrait, beaucoup plus romantique, calme et expressif grâce aux ombres et aux accents utilisés. Même si de nombreuses artistes pop féminines ont été influentes tout au long de leur carrière, elles sont souvent exclues du récit historique du mouvement. Rosalyn Drexler, dramaturge et artiste d'avant-garde ; Marisol, une artiste conceptuelle et Pop ; et Evelyne Axell, peintre belge, ont contribué de manière significative au développement du mouvement Pop. Ces pionnières ont ouvert la voie à davantage d’artistes pop féminines qui apparaissent aujourd’hui dans les expositions de musées et les ventes aux enchères.
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9. Regarde Mickey (Roy Lichtenstein) (1961)
Cette illustration nous amène à nos dessins animés d’enfance préférés ayant une capacité colossale à nous faire sourire et à nous remonter le moral même un jour de pluie. Roy Lichtenstein s'est inspiré pour sa peinture à l'huile sur toile de 1961 Look Mickey d'une page du livre d'images de Walt Disney Donald Duck : Lost and Found. Donald est ravi d'avoir attrapé un énorme poisson dans le tableau, et Mickey rit secrètement. Seul le haut du vêtement du canard a pu attraper sa queue. Il illustre l'appropriation par Lichtenstein de son Pop art basé sur la culture populaire actuelle.
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10. Bébé radieux (1990) Keith Haring
Un autre exemple de cette tendance stylistique est la célèbre œuvre d'art « Radiant Baby », réalisée en 1990 par Keith Haring et représentant un bébé rampant. Comme vous pouvez le constater, le nouveau-né est entouré de lumière, comme le montrent les rayons noirs qui s’étendent vers l’extérieur. Les couleurs vives et les contours simples facilitent la compréhension. Le nouveau-né est considéré comme l’expérience la plus innocente et la plus positive de l’existence humaine ; l'auteur utilise souvent ce symbole dans ses œuvres.
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Dessin animé pop-art
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